Depuis plus de 300 ans Lefranc Bourgeois innove pour offrir aux artistes des peintures à la hauteur de leur créativité. Première peinture moderne, la Flashe, lancée en 1954, illustre parfaitement cette quête. Conçue à l'origine pour répondre aux besoins spécifiques des théâtres et des opéras, dont les décors sur tous supports devaient être peints et repeints rapidement en couches opaques et mates, la Flashe s'est rapidement imposée comme une référence dans le monde des beaux-arts.

Elle combine la matité et l’opacité de la gouache avec l’indélébilité et la durabilité de l’acrylique sur tous les supports. Sa texture veloutée, extra-fine, souple et couvrante, est composée d’un liant à base de résine vinylique en émulsion permettant d’explorer de nouvelles perspectives. Elle est élaborée au Mans en France à partir de pigments de haute qualité spécialement sélectionnés pour les beaux-arts garantissant des couleurs absolues et une durabilité exceptionnelle.

Dans les années 1980, Victor Vasarely, grand maître de l’art optique, a participé à rendre les propriétés de la Flashe encore plus exceptionnelles en travaillant avec les experts chimistes de Lefranc Bourgeois jusqu’à créer une collection signature Flashe x Vasarely.

La première peinture moderne, adoptée par les plus grands artistes, célèbre cette année ses 70 ans. Pour l’occasion, six artistes ont créé leur propre couleur et revisité l’étiquette du pot Flashe. JonOne, RaKaJoo, Agnes Cecile, Thierry Lefort, Paolo Troilo et Kelly Anna sont les 6 artistes internationaux (et fans de la Flashe) qui ont été sélectionnés pour créer leur propre couleur. La marque les a choisis car ils s’affranchissent des limites et des cadres, ils peignent au doigt, sur des sculptures ou encore investissent des fresques murales monumentales… Tous incarnent la liberté, l’audace et la joie !

Cette rencontre unique entre art et chimie au sein de l'usine du Mans marque éternellement l’histoire de la Flashe.

Rakajoo, né en 1986, est un artiste français multidisciplinaire qui combine peinture, cinéma d’animation et bande dessinée. Son œuvre, influencée par des peintres classiques comme Vermeer et Manet, est ancrée dans le monde contemporain et explore souvent des thèmes personnels et urbains.

Il a été découvert en 2008 grâce à une fresque monumentale et a depuis exposé dans divers lieux prestigieux, incluant le Palais de Tokyo et la Fondation Blachère. En 2022, il a remporté le Prix des Amis du Palais de Tokyo et a inauguré sa première exposition personnelle dans cette institution en 2023. Diplômé de l’école Kourtrajmé, ses œuvres, caractérisées par une dimension cinématique et la présence de figures masquées, interrogent les spectateurs sur la double culture et l'identité afro-européenne.

La Couleur de RakaJoo : Le rouge RakaJoo
Rakajoo a créé le "Rouge RakaJoo" pour symboliser son parcours personnel et artistique. Ce rouge intense est directement lié à son expérience, représentant la passion et la détermination. Le "Rouge RakaJoo" est devenu sa signature, marquant son œuvre d’une empreinte unique et vibrant d'une énergie qui lui est propre. 

Ancien DA de l’agence Saatchi & Saatchi à Milan, pour laquelle il a créé de mémorables campagnes publicitaires, Paolo Troilo débarque dans le monde de l’art en 2006. Le jour où il décide d’aborder la peinture il oublie d’acheter des pinceaux et des couleurs, créant ainsi ses œuvres en noir et blanc peintes avec ses doigts.

Cette technique si distinctive de son œuvre dans le monde de l'art lui a valu une sélection pour la 54ème Biennale de Venise en 2011. Son travail est un mélange d'intensité et de maîtrise technique, où chaque tableau captive le spectateur. Ses œuvres sont exposées de Rome à Singapour, en passant par Istanbul et les Etats Unis.

La couleur de Paolo Troilo : Le Gris Troilo
Utilisant exclusivement ses doigts pour peindre, Paolo Troilo a développé un style distinctif où le gris joue un rôle central. Pour lui, cette couleur symbolise la profondeur et la complexité des émotions humaines, oscillant entre ombre et lumière, nuances et contrastes. Le "Gris Troilo" reflète à la fois la maîtrise technique et l'exploration de la vie et de la création qui caractérisent son œuvre.

Kelly Anna est une artiste et designer basée à Londres, célèbre pour ses œuvres mettant en avant des silhouettes centrées sur le mouvement, le sport et le bien-être. Son parcours artistique a débuté avec une formation en danse et gymnastique, puis elle a poursuivi dans des études en illustration de mode et en conception. Ces disciplines ont fortement influencé son style à travers des motifs dynamiques et des compositions qui célèbrent le mouvement et la force.

Elle propage ses formes emblématiques dans de nombreux domaines tels que la mode, l’architecture ou encore la food. Les marques ne s’y trompent et choisissent Kelly Anna : BMW, Nike, Penguin ou encore la NFL, pour ne citer qu’elles.

La couleur de Kelly Anna : Le Bleu Kelly Anna
Kelly Anna a créé le "Bleu Kelly Anna" symbolisant la force et l'énergie des silhouettes qu'elle dessine, célébrant le bien-être et l'expression corporelle. Un bleu vibrant qui capture l'essence du mouvement et que l’on peut retrouver dans chacune de ses œuvres.

JonOne est né en 1963 à New York. Il découvre le graffiti à l'âge de 17 ans grâce à son ami d'enfance White Man. Dans les années 80, il fonde avec Rac7 et Kylie le groupe d'artistes « 156 All Starz », actif dans le métro new-yorkais. JonOne se distingue rapidement par ses œuvres abstraites, marquées par une utilisation dynamique de la couleur, du mouvement et de l'énergie.

C'est à Paris que JonOne commence à peindre sur toile, révolutionnant son art avec des compositions vibrantes et colorées. Ses œuvres sont exposées dans le monde entier, notamment à Séoul, Miami, Monaco, Paris, Genève, New York, Tokyo, Hong Kong, Bruxelles, Londres, Abidjan, et Moscou.

La couleur de JonOne : Le Jaune School Bus
JonOne a créé le "Jaune School Bus" rappelant ses souvenirs de jeunesse à New York lorsqu’il empruntait le bus pour aller à l’école. Une teinte vive qui évoque l'énergie et la joie qui traversent son œuvre. 

Agnes Cecile est une artiste italienne née à Rome en 1991. Son style se caractérise par des images claires et lumineuses et des couleurs vibrantes. Elle dessine depuis l'enfance, attirée par la figure humaine et son expressivité. Parmi les premiers à utiliser internet pour promouvoir ses peintures, à l'âge de 18 ans, elle avait déjà un grand nombre de fidèles en ligne.

Elle développe une peinture instinctive et personnelle, riche en détails, mais aussi en formes abstraites et en gestes rapides. Elle apprend à s'exprimer à travers l'aquarelle et l'acrylique en créant des portraits intimes qui décrivent des mondes intérieurs et des émotions. Son exploration continue de la narration émotionnelle lui permet de toucher des personnes de tous horizons. Ce langage universel lui ouvre des expositions dans le monde entier.

La couleur d'Agnès Cécile : Rose Sakura
Agnes Cecile a créé le Rose Sakura, une teinte empreinte de douceur mélancolique, inspirée par la délicate floraison des cerisiers. Le "Rose Sakura" revient souvent dans ses peintures, évoquant des émotions intenses chez ses sujets, ajoutant une dimension poétique et expressive à son travail.

Thierry Lefort est un artiste français qui vit et travaille entre Paris et Los Angeles. Peignant dès sa tendre enfance, il n'hésite pas à passer deux ans au Temple Shaolin de la province du Henan en Chine pour se former à la calligraphie chinoise.

Chef de file de la "Renaissance de la Figuration", Thierry Lefort ne cherche pas à livrer une image fidèle du décor, des paysages ou des villes qu'il peint. Le "sujet" et le "motif" ne sont chez lui qu'alibi. Ils sont le point de départ d'une composition complexe où les masses, les traits, les formes, les lumières et les couleurs sont contraints à l'équilibre. Après avoir exposé en 2015 au Musée d’art moderne de Tokyo ou, en 2020, au Palais de Constentin de Saint-Pétersbourg, Yoyo Maeght, depuis 2021, le présente et organise ses expositions dans les plus prestigieux centres d'art. En 2022, le Comté de Los Angeles et la ville de Burbank lui proposent de réaliser une œuvre monumentale de plus de 150 m2 à l'intersection de Orange Grove et San Fernando. 

La couleur de Thierry Lefort : Le Bleu Californien Lefort
Thierry Lefort a créé le "Bleu Californien Lefort" en référence à la lumière et l'atmosphère uniques des paysages urbains de la Californie, en particulier ceux de Los Angeles et de San Francisco.